Pier Paolo Pasolini est un poète anthropophage, un cannibale dont le théorème a pour foyer originaire le ventre des affamés, les infâmes en haillons qui sont les humiliés et les offensés.
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Que fait-on de ses morts ? Comment faire son deuil ? Drive My Car de Ryūsuke Hamaguchi, offre une réflexion sur ce jour maudit où chacun apprend la vérité des choses, la mort des roses.
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Tarik se maquille et s’habille en femme. Il danse sur une carriole tractée par un cheval mourant et un père qui ne le regarde plus. Il suit le rythme effréné d’une fanfare composée de pauvres hères, des parias, des punks à chiens sans chiens, et des désaxés qui se laissent traverser par l’inertie. Suivi, par la foule, Tarik vibre de sensualité féminine en s’abandonnant à cette passion, son visage barré par une moustache qui revendique sa virilité tronquée.
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Paradoxalement, à se situer politiquement contre l’extrême-droite, Athena, à force d’être contre devient antipode, se situe tout contre, jusqu’à en épouser les formes autant que les forces réactionnaires.
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Jean-Luc Godard n’est pas le nom propre d’un auteur de films, c’est le nom commun d’une pensée partagée.
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Sur son lit de mort, Alfredo, roi portugais sans couronne, est ramené à ses souvenirs de jeunesse, quand il rêvait de devenir pompier. La rencontre avec l’instructeur Afonso, du corps des pompiers, ouvre un nouveau chapitre dans la vie des deux jeunes hommes plongés dans l’amour et le désir. Nouvelle et brillante réussite de João Pedro Rodrigues.
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La Maman et la Putain est le film de l'ami qui crie au secours et que l'on n'entend pas, qui crie que l'amour est mort et que l'on n'entend pas, qui crie que Paris est mort et que l'on n'entend pas, qui crie que la Nouvelle Vague est morte et que l'on n'entend pas, qui crie qu'il est déjà mort et que l'on n'entend pas, qui crie que l'on est tous déjà mort et que l'on n'entend pas.
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À la fois productrice, scénariste, réalisatrice et quelquefois même actrice des six films qu'elle a tournés entre 1949 et 1953, Ida Lupino a occupé pendant quatre années d'intense créativité une position d'exception dans l'industrie hollywoodienne.
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Pour l’été 2022, le Jeu de Paume présente la première exposition consacrée exclusivement à la figure de Jean Painlevé. Cinéaste de réputation internationale pour ses expériences filmiques, Jean Painlevé (1902-1989) fut un spécialiste du documentaire scientifique et des techniques cinématographiques.
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Jean-Louis Comolli : revenir à nous en revenant à lui. Son œuvre est immense, on a de quoi travailler en continuant à dialoguer. Six décennies de cinéma, plus d’une cinquantaine de films tournés, une quinzaine de livres publiés, plus d’un millier d’articles à lire et relire. Si l’avenir est aux fantômes, le cinéma en a aussi – dans l’amitié des revenants sans compter.
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Il y a des rancœurs qui ont le génie pour enjeu et sa reconnaissance disputée fait le sel des existences jetées dans la bataille érigeant l’hystérie familiale en l’épopée chérie des rivalités artistiques. Énième chapitre offert à la réécriture de son roman familial en cinéma, Frère et sœur d’Arnaud Desplechin sale outrageusement son goût du romanesque parce qu’il n’en ignore pas l’affadissement suite aux remâchements du style. L’auteur fait le tour du propriétaire de son royaume et si le génie y est roi, il s’agit d’un malin génie.
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Nous dit aussi l'implicite d'un antagonisme entre nous et d'autres nous. Nous-mêmes, c’est nous autres, ce peut être nous et eux, eux si loin et nous si proches, ce peut être aussi nous contre eux, parfois tout contre. Nous est un mot formellement rassembleur et réellement diviseur. Nous rassure en majeur, inquiète en mineur. Nous est le titre du film d'Alice Diop, qui est son plus rassembleur, qui est son plus divisé aussi.
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Une hilarante trituration passionnée de l’histoire du cinéma, qui en découvre bien des vérités dans le montage de l’absurde, à l’envers lorsque nécessaire et dans la joie caustique en permanence.
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La rengaine entonnée par De nos frères blessés est sur-entendue : la grande histoire par le petit bout de la lorgnette, les faits à hauteur de l'humain, l'affaire des personnes plutôt que celle des forces impersonnelles. Destituer les majuscules de l'histoire au nom des petites généricités de l'intimité reste une opération consensuelle, favorable à toutes les réductions, toutes les trahisons. Entonner la rengaine du petit bout de la lorgnette comme s'y prête Hélier Cisterne, c'est entamer les paroles d'une chanson connue, celle des amours plus transparentes que les engagements politiques. C'est aussi déclamer à la cantonade qu'il y a des justes qui le sont moins pour des idées que par vertu. C'est encore verser dans le gros tonneau du cinéma français la vie de Fernand Iveton, vie d'exception et d'exemplarité tristement passée au laminoir de rassembleuses banalités.
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En reprenant les codes du western psychédélique, Bertrand Mandico ravive son versant contre-culturel qui avait fait les beaux jours des Midnight Movies des 70’s avec le El Topo de Jodorowsky. Mais à cela, il ajoute la touche d’actualité qui colle le frisson en balançant du même coup une dystopie féministe sur une planète uniquement habitée par des femmes, après le grand cataclysme qui a vu disparaître les hommes du genre humain… Western et psy. Du grand Mandico !
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La Russie occupe la Norvège avec l'assentiment de l'UE pour s'approprier son pétrole. Face à cette occupation “douce”, citoyens et politiques norvégiens doivent faire un choix : résister ou collaborer ? Politique-fiction ? Pablo Iglesias y voit plutôt un avertissement à tenir en compte.
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West Side Story : l'entreprise interroge mais on ne s'étonne pas longtemps que Steven Spielberg en ait initié le remake, lui qui incarne la jonction entre la fin de l'âge classique hollywoodien et le devenir-disneyien de l'industrie du divertissement. Si la version de 2021 gagne en lucidité sur un processus de gentrification relégué dans le hors-champ de la version de 1961, les ruines urbaines abritent les mêmes schémas spielbergiens, adolescents refusant de grandir dans un monde post-apocalyptique, qui disent la vérité d'une culture saturée quand elle n'a pas d'autre objet qu'elle-même.
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Don't look up est intéressant pour plusieurs raisons. La principale concerne le sort possible de nos efforts pour changer le monde et communiquer l'urgence de ce changement, mais aussi faire de cette communication un instrument d'action commune et collective. Il ne suffit pas de lever les yeux pour voir la comète fondre sur Terre (le changement climatique plus que la pandémie), il faut reconnaître et renverser l'ordre hiérarchique de la société dans lequel le profit passe avant tout.
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Changement de paradigme : les tyrans du vingtième siècle s'efforçaient de cacher leurs crimes; l'état islamique, à l'inverse, exhibe les siens. L'impensable est donc ce qu'il faudra malgré tout s'efforcer de penser. Sa propagande hérite d'une histoire qui, avant d'être celle des médias, aura été celle du cinéma, mais qui est devenue depuis l'histoire des visibilités à l'ère du numérique.
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Akira Kurosawa a fait toute sa carrière au sein du système des puissants studios japonais (Shochiku, Toho) comme scénariste et surtout comme réalisateur, alternant les genres : cinéma d’action - de La Légende du grand judo à Sanjuro -, grandes fresques historiques flamboyantes - Kagemusha, Ran -, films noirs - Chien enragé -, drames contemporains intimistes - Vivre - ou adaptations d’auteurs occidentaux, comme le MacBeth de Shakespeare avec le Château de l’araignée ou le Hamlet en polar avec Les Salauds dorment en paix, Les Bas-Fonds de Gorki, ou l’Idiot de Dostoïevski.
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